Existem diferentes tipos de filmes ruins. Há aqueles que, após o lançamento, encontram um público inesperado, sendo redescobertos como fontes de entretenimento ridículo; há os que são tão entediantes que são esquecidos para sempre; e há aqueles que são feitos com uma incompetência tão surpreendente que mal podem ser considerados filmes. Este último é o tipo mais difícil de suportar, como exemplificado pelo filme The Snowman (um thriller incrivelmente ruim que, mesmo inacabado, foi lançado), que oscila entre o péssimo e o absolutamente inassistível.
Não foi surpresa que uma atualização torturada do thriller gótico de vingança The Crow, de 1994, fosse um desastre – afinal, o projeto está em desenvolvimento desde 2008, com vários diretores e atores envolvidos ao longo dos anos – mas é realmente chocante o quão terrível é o produto final e o quão inadequado ele é para um lançamento em grande escala. Filmado há dois anos e lançado discretamente em um fim de semana de verão com baixas expectativas, The Crow 2.0 é um desastre total, com uma trama incoerente e uma produção desleixada, destinado a se juntar aos piores e mais inúteis remakes já feitos.
Nunca precisávamos de um remake de The Crow em primeiro lugar (um filme simples e agradável, elevado pela direção hiperestilizada de Alex Proyas e pela presença trágica de Brandon Lee), mas oferecia um caminho já trilhado que poderia ter resultado em algo menos ofensivo – a fórmula para um thriller de vingança satisfatório e bem estruturado estava ali, pronta para ser utilizada. Mas os roteiristas William Schneider e Zach Baylin (cujo currículo inclui dramas esportivos sólidos como Creed III, Gran Turismo e King Richard) presumiram saber mais, deixando de lado o que poderia ter sido uma refilmagem fácil, embora derivativa, e seguiram em uma direção diferente e desastrosa.
O personagem Eric Draven foi mantido, agora interpretado por Bill Skarsgård (It e Barbarian), mas ele foi despojado de qualquer característica identificável, apresentado como sombrio e melancólico porque usa drogas e tem tatuagens. Ele conhece Shelly, interpretada pela cantora FKA twigs, em uma clínica de reabilitação mista; eles se aproximam por causa das drogas e das tatuagens, e depois fogem para a cidade, onde se apaixonam ainda mais através do poder de uma montagem. Mas Shelly é alvo de um Grande Vilão, interpretado por Danny Huston, que fez um pacto diabólico que o obriga a fazer pessoas inocentes cometerem atos terríveis. Seu passado a alcança, assim como Eric, e ambos são mortos, apenas para que ele retorne como um anjo vingador.
É um filme centrado no grande e melodramático romance emo, mas que insiste em forçar isso ao espectador sem nunca dar motivos para acreditar nele. Não há atração, impulso ou paixão, apenas cenas de dois atores sem vida posando para um anúncio de perfume de segunda categoria. Skarsgård se sai bem nas limitadas cenas de ação do filme – fisicamente convincente e comprometido – mas sua atuação monótona não preenche as lacunas nas outras áreas. Twigs é completamente apática, não oferecendo nada quando deveria nos convencer de que sua morte seria dolorosa o suficiente para causar tal retaliação violenta.
A escolha de alterar a configuração original – um casal protestando contra despejos forçados e sendo alvo de um senhor do crime local – e remover qualquer realismo, transformando-o em uma fantasia boba de monstro-da-semana, é um erro bizarro e devastador. É uma mudança por fazer, resultando em uma atualização muito menos poderosa e muito mais anônima, que transforma o filme de um noir de crime elevado em um piloto ruim de uma série da CW. Enquanto a metrópole gráfica com céu vermelho e chuva constante do primeiro filme era claramente desenhada e envolvente, este mundo é confuso e difícil de situar; nunca sabemos onde estamos ou como qualquer sistema funciona, e não há um plano geral – apenas um foco sufocantemente estreito. A história é difícil de seguir e a lógica dentro dela é impossível de entender. Somos privados do prazer catártico de experimentar a vingança sangrenta que esperamos, exceto por um massacre leve, mas excessivamente familiar, no estilo John Wick durante uma ópera.
O diretor Rupert Sanders – que vem piorando de filme em filme desde Branca de Neve e o Caçador, passando por Ghost in the Shell e agora este – recentemente se referiu à produção como uma “luta”, e isso é dolorosamente evidente em cada quadro tenso. Pode-se sentir as noites infernais na sala de edição e imaginar as discussões inflamadas na sala de reuniões, uma corrida desesperada para salvar algo, qualquer coisa, do nada. Eles não deveriam ter se incomodado.
